사진사랑 사진전시 소식

정금희_BEYOND展

2012-02-05T19:21:09+09:00

정인성 탄생 100주년 기념展

2012-02-05T19:08:17+09:00

상명대학교 문화예술대학원 사진영상미디어학과 비주얼아트 전공 순수파트 단체전

2012-02-05T18:32:31+09:00

전시개요

상명대학교 문화예술대학원 사진영상미디어학과 비주얼아트 전공 순수파트의 단체전 <실체의 발현>이 2012년 2월 8일부터 14일까지 인사동 갤러리 룩스에서 열립니다.
김득환, 김인표, 박진희, 성영희, 이명환, 정하경, 한지혜 등 7명이 참가하며30여점의 작품이 전시됩니다.

김득환 나무형상의 미학, 50cmx50cm, Digital C-print, 2011

김인표 기억과 추억, 40cmx40cm, Digital C-print, 2011

박진희 Untitled, 50cmx50cm, Digital C-print, 2011

성영희 Bible story, 25cmx20cm, Digital c-print, 2010

이명환 껍질의 소리, 36cmx24cm, archival inkjet print, 2010

정하경 화양연화(花樣年華), 50cmx40cm, Digital C-print, 2011

한지혜 통과의례(rite of passage), 40cmx40cm,Archival inkjet print, 2011

I am a camera展

2012-02-02T18:36:27+09:00

전시기획의도 및 전시내용

오는 2월 3일부터 22일까지 사간동 갤러리 온에서 I am a camera 라는 제목으로 사진 전시가 열린다. 제목 I am a camera 는 이번 전시를 지시하는 동시에 전시기획자 김선정이 9인의 한국현대사진가와 함께 하는 모임의 이름이다.

이번 전시로 시작을 알리는 이 모임은 한국의 현대사진의 흐름 속에서 사진의 근본적인 문제를 연구하고 사진이라는 매체가 앞으로 나아갈 길과 사회와 문화에서의 역할을 논의하는데 가장 큰 의의가 있다. 토론의 장에서 형성된 의제들을 작가는 자신의 창작활동과 연결시키고 나아가 한국 사진계에서 사진가로서의 입지를 다시 한 번 살피고자 한다.

사진을 매체로 활발히 활동하는 청년 작가 김경호, 김대남, 김혜원, 박호상, 배진희, 안우동, 양지영, 이영욱, 이상윤, 이재훈(이상 10인) 이 참여하는 이 모임은 정기토론회를 기본으로 출판, 심포지엄, 전시 등 다양한 활동을 전개해 나갈 것이다.

다른 매체의 개입과 혼용이 없이 카메라를 통한 이미지 양산을 기본적인 개념으로 하는 타이틀 I am a camera 는 2001년 화가와 조각가의 사진작업을 포함 현대 사진가들의 작업을 총망라하여 런던 사치갤러리에서 개최되었던 사진전시의 타이틀이기도 하다. 모임의 타이틀은 현 시점에서 사진 매체의 전통적인 미적 개념과 끊임없이 변화하는 시대의 요구에 관한 고민의 반영이다.

김 선 정(독립큐레이터)

레아 (LeA) 개인전

2012-01-31T22:55:15+09:00

전시서문

언어영역 밖의 기억

박수진(미술평론가)

얇은 유리 한 장이 안과 밖을 가른다. 더 얇은 필름 한 장이 안과 밖을 가른다. 그러나 안과 밖의 이미지들은 얇은 가림막을 경계로 구분되지만 동시에 서로에서 섞여 모호한 이미지가 만들어진다. 둘이면서 전혀 다른 하나가 된 이 모호한 이미지는 익숙하지만 낯설다. 레아는 사진이 찍힌 필름 위에 이미지를 재촬영하는 다중 촬영 기법을 사용하여 전혀 다른 이미지들이 서로 겹치면서 생성되는 이미지들의 유희하는 장을 만들어낸다. 마치 유리창에 비춰진 안과 밖의 모습이 겹쳐진 것처럼 보이는 이들 이미지의 유희 공간은 마치 꿈 속 같기도 하고 연극무대 같기도 하다.

그의 사진에 드러난 이미지들은 친숙한 오브제들이지만 과장되고 극적인 이미지로 표상된다. 이렇게 표상된 이미지는 상실한 대상을 기억하기 위해 노력하지만 온전히 기억하는데 실패한 것들이며, 모호한 이미지들은 환상이 남긴 수수께끼처럼 환상의 이중적인 성격을 띠고 있다. 이 이미지들은 몽상을 단순하게 표현하는데 그치지 않고 다중적으로 반사하고 있어, 그 환상 속에서 주체의 위치는 매우 불안정하다. 왜냐하면 이미지들의 유희하는 공간에서 시선을 거두는 순간 우리는 사진 안의 섬뜩한 눈과 마주친다. 그 눈은 몽환적이고 나른한 이미지 사이를 뚫고 나를 바라본다. 이것은 단지 유리창에 비쳐져 중첩된 현실의 이미지들이 아니라 기억의 파편들이 봉합된 것, 의식 너머의 억압된 기억들이 가림막을 뚫고 나오는 오브제처럼 드러난다.

예를 들면 그의 사진 속에 희미하게 모습을 비친 여성들, 때론 작가 자신의 모습, 때론 인형의 신체로 나타나는 여성들은 신체의 일부만이 서로 다른 층위에서 마치 오브제처럼 모습을 드러낸다. 이런 이미지들은 초현실주의자들에게서 자주 보여졌던 것들이다. 마치 현실 속에 무의식을 얹어놓은 것처럼 말이다. 초현실주의자들이 이렇게 겹치기 구조로 현대미술이 무엇인지, 재현이란 무엇인지 다뤘었던 것을 떠올려 보자. 레아는 초현실주의자들이 했던 겹치기 구조를 현대미술에 도입했던 역사, 또한 알레고리 차용으로 재현의 문제를 비판했던 포스트모던미술을 참조한다.

그러면서 그가 관심을 가지고 있는 것은 여전히 익숙한 이미지들이 중첩되면서 나타나는 왜곡된 형상들, 구체적 이미지로 표상될 수 없는 형상들이다. 그것은 억압에 의해 낯선 것이 되었으나 원래는 익숙했던 것들이 되살아난 것들이다. 지그문트 프로이트 (Sigmund Freud)

의 용어로 이야기한다면, 언캐니(uncanny)이다. 이 익숙했던 것이 낯선 것이 되어 되돌아온 상황은 불안하다. 이것은 불안스런 모호함 때문에 생기는 것이다. 그는 이 불안한 모호한 것들의 귀환을 얇은 필름에 잡아내려한 것이다. 그것은 앙드레 브르통(Andre Breton)에게는 “삶과 죽음, 실재와 상상, 과거와 미래, 소통가능과 소통 불가능한 것들이 더 이상 모순으로 생각되지 않게 되는 특이한 지점”이었던 바로 그 지점을 포착하고자 한 것이다. 즉 그것은 기호가 지시대상의 지위를 빼앗고, 심리적 실재가 물리적 실재의 자리를 빼앗는 실재와 상상이 구분되지 않는 지점인 것이다. 즉 그것은 우리의 상징계 너머에 존재하지만 언제나 우리의 자리를 위협하는 것이다. 바로 그 상징계 너머의 영역, 언어영역 밖의 것들은 기록될 수도 기억될 수도 없는 것들이지만 그렇다고 없는 것은 아닌 것이다. 그것들은 부재로서 자신의 존재를 알린다. 기록과 기억을 넘어선 그것은 언어로서는 자신을 드러내지 못하지만, 그렇기에 이미지로서 마치 유령처럼 자신의 존재를 알린다. 마치 뼈처럼 말이다.

그의 재현, re-present를 다시 보자. 수전손택(Susan Sontag)은 사진은 새로운 시각코드로서 무엇이 볼만한 가치가 있는가를 묻고, 우리가 무엇을 볼 권리를 가졌는가에 대한 일반적인 생각을 바꾸고 확장시켰다고 했다. 즉 사진은 문법이고 더 중요하게는 바라봄의 윤리라는 것이다. 레아는 사진의 문법이라 할 수 있는 사진적 ‘사실주의’를 중첩의 기법으로 전복하면서 재현의 문제를 다시금 생각하게 한다. 기록을 통해 인간은 영원한 기억, 죽음 없는 삶에 대한 욕망을 드러내지만, 중첩된 기록들은 기억의 존재 자체를 위협한다. 시공간이 비틀어져서 중첩된 기록은 존재와 부재의 모순이 공존하는 실재의 영역이며, 이 실재와 우연히 마주치게 되는 찰라는 언어영역 너머의 것, 사라져버렸던 기억과 마주치는 것이다. 그리고 바로 여기에 레아 사진이 가지는 의미, 정신분석적 윤리가 있다.

언어영역 밖의 기억 -1, inkjet print, 47x70cm, 2008

언어영역 밖의 기억 -2, inkjet print, 47x70cm, 2008

언어영역 밖의 기억 -3, inkjet print, 47x70cm, 2009

언어영역 밖의 기억 -4, inkjet print, 47x70cm, 2008

언어영역 밖의 기억 -5, inkjet print, 47x70cm, 2008

언어영역 밖의 기억 -6, inkjet print, 47x70cm, 2008

언어영역 밖의 기억 -7, inkjet print, 80x100cm, 2011

언어영역 밖의 기억 -8, inkjet print, 47x70cm, 2011

언어영역 밖의 기억 -9, inkjet print, 80x100cm, 2011

언어영역 밖의 기억 -10, inkjet print, 47x70cm, 2011

언어영역 밖의 기억 -11, inkjet print, 47x70cm, 2011

작가소개

레아 / LeA

한성대학교 대학원 회화과 사진전공

개인전
2012 ‘언어 영역 밖의 기억’ - 갤러리 아트사간, 서울

단체전
2011 전회(轉回) - 갤러리 아트사간, 서울
2011 ‘Photography, Now’ - 아트스페이스 방천, 대구
2009 실재 표현 그리고 표상 - 갤러리M, 서울
2009 ‘2009 경남 현대사진 페스티발’ - 315 아트센터, 마산

2009 ‘사유, 상상 그리고 사유적 이미지’ - 아트비트 갤러리, 서울
2008 ‘낯설게 보이기’ - 갤러리 와, 경기도 양평
2008 'Looking in the world' - 아트비트 갤러리, 서울

Coming soon 展

2012-01-31T22:39:46+09:00

전시서문

김누리, 백혜진, 신한수, 이슬로 등 네 명의 작가의 작품은 자신과 주변의 것들에서 자신의 정체성과 생각들을 표현하고 있다. 이들은 누구나 한번쯤은 생각해보는 일이기도 한 자아에 대한 고민과 정체성에 대한 고민들을 작품으로 표현하며 자신을 찾는 작업을 작품을 통해 보여주고자 한다.

아직은 이들이 여러 가능성을 모색하는 시기이기 때문에 완전히 다듬어지지 않았지만 변화무쌍한 가능성을 지닌다. 발전할 모습을 기대하면서 Coming soon..

김누리,만화경_11,50x50,digital print,2011

김누리,만화경_그네고정클립,50x50,digital print,2011

김누리,만화경_놀이공원설치물,50x50,digital print,2011

김누리,만화경_운동화,50x50,digital print,2011

백혜진,Imaginary #1,42cm x 28,digital print,2011

백혜진,Imaginary #2,42cm x 28,digital print,2011

백혜진,Imaginary #3,42cm x 28,digital print,2011

백혜진,Imaginary #4,42cm x 28,digital print,2011

신한수,구두,100x100,C-print mounted on plexiglas,2011

신한수,나비,100x100,C-print mounted on plexiglas,2011

이슬로,증명사진_ID Picture_01,63x80,pigment inkjet print,2010

이슬로,증명사진_ID Picture_02,63x80,pigment inkjet print,2010

이슬로,증명사진_ID Picture_03,63x80,pigment inkjet print,2010

이슬로,증명사진_ID Picture_04,63x80,pigment inkjet print,2010

작가노트

어렸을 적에 집에서 가지고 놀던 만화경이 있었다. 그 만화경은 방에서 굴러다니던 종이조각을 예쁜 꽃으로 만들어 주기도 하고, 별로 만들어 주기도 했다. 그러면 나는 그 만화경에 빠져서 한참이나 눈을 떼지 못하고 바라 봤던 기억이 난다.

하루하루가 방에서 굴러다니는 종이조각처럼 무의미하게 느껴질 때가 있었다. 그런 날을 만화경을 통해 바라보고 싶었다. 일종의 나를 위한 위안이었다. #김누리

세상의 모든 것은 소멸된다. 그 것이 생물이던 무생물이던 종류에 관계없이 시간이 흐르고 나면 먼지처럼 흩어져 흔적도 없이 사라지고 만다. 그래서 소멸되어간다는 말 자체는 쓸쓸하고 낡고 바랜 분위기를 자아낸다. 또, 무언가 오래된 것이나 추억을 회상할 때에도 빛 바랜 이미지의 형상은 남을지도 모른다. 하지만 그 순간을 되돌릴 수는 없다.

소멸한다는 것은 퇴색 즉, 빛이나 색을 잃는다는 의미도 함께 품고 있기 때문이 아닐까. 그리고 언젠가는 사라져버릴, 이 세상에 존재하는 모든 것들이 발하는 빛과 색은 단순히 눈에 보이는 것만이 전부가 아닐 것이다. 그래서 나는 소멸되어 버릴 듯한 혹은 벌써 소멸해버렸을지도 모르는 대상물에 그림을 색칠하듯 나만의 색과 빛을 입혀 현실 속에 존재하지 않는 허상(虛像)의 이미지로 재현하고자 하였다. 그리고 그 느낌을 더욱 극대화 시키기 위해 낡고 흔한 또는 눈길이 가지 않는 대상물을 선택하게 되었고 그 것이 가진 매혹적인 아름다움을 보여주고자 하였다. #백혜진

본질에 대한 물음, 이것은 식상할 수도 있고 다가가기 어렵게 느껴 질 수도 있다.

하지만 나의 작업은 알 수 없는 본질이라는 주제와 증명사진 (다른 요소들을 삭제하고 주체만을 형상으로 보여주기 위한 것) 이라는 소재로 본질에 대해 쉽게 접근하려 한 것에서 시작한다.

증명사진의 구도와 배경이지만 인물들은 앞모습이 아닌 뒷모습을 보이고 있다. 이로써 증명사진의 본질에 대한 괴리를 느끼게 되고 또한 인물의 본질에 대한 궁금증을 자극시킨다.

이것은 비로소 본질과 나에 대한 탐구의 시작이다. #이슬로

2011 한-아세안 현대미디어아트전

2012-01-29T12:11:32+09:00

화덕헌 개인전

2012-01-29T11:25:45+09:00

전시소개

한미사진미술관의 연속기획전 SPECTRUM의 네 번째 전시는 화덕헌의 최근 작업을 선보인다. 『터 무늬 없는 풍경』이란 전시제목은 도시재개발사업에 따라 기존의 터를 갈아엎고 우후죽순으로 생겨나는 아파트 풍경에 대해 작가가 던지는 비판적인 메시지를 담고 있다.

부산을 삶의 터전으로 삼고 해운대에서 구의원으로 일하고 있는 작가는 해운대 승당마을 철거사건이나 주변 신도시 조성 그리고 해안선 개발사업에 따른 예전 중심지의 주변화 현상을 지켜보며, 이와 같은 재개발사업이 ‘폭력’ 이라는 용어보다 오히려 ‘내전’이라는 표현에 걸맞다고 생각한다.

<다이나믹 부산> <크고 강한 부산> <매력 있는 세계일류도시 해운대> <글로벌 창조도시>와 같은 그의 사진 속 슬로건들은 신도시사업과 함께 외양이 커지고 활력을 얻는 부산의 새로운 이미지를 선전하는 듯 보인다. 하지만 작가는 이 이미지를 통해 오랫동안 그 곳에서 뿌리를 내리고 살던 이들의 삶의 흔적과 기억이 송두리째 뽑혀 나가고 있으며, 이들이 개발의 주변부로 내몰리고 있음을 역설적으로 드러낸다.

화덕헌 작가에게 있어서 사진은 기억상실증을 강요하는 현실에 맞서 무력하게 저항하는, 그러나 약자를 위한 사회적 실천의 요긴한 도구다. 작가는 사진작업을 통해 사회적 약자들의 이미 사라진 혹은 사라지고 있는 과거와 흔적을 지키고자 노력한다.

Spectrum전 소개

<SPECTRUM>은 한미사진미술관의 연속기획전으로 미술관이 주목하는 7인의 작가 임 택, 김재경, 김옥선, 화덕헌, 이정록, 난다, 최중원을 소개한다. 개인전 형식으로 진행되는 본 기획전은 개별 작가들의 독특한 작업 세계를 소개하는 동시에, 스펙트럼처럼 다양한 빛깔로 구성된 한국 현대사진의 현재를 심사 숙고하는데 그 취지가 있다. 이 연속기획전은 2011년 10월부터 2012년 9월까지 한미사진미술관 20층에서 계속 전시된다.

전민혁 개인전

2012-01-18T15:28:35+09:00

Not for Nothing_고통, 피그먼트 프린트, 114 x 91.5 cm, 2011

Not for Nothing_생명 유지기, 피그먼트 프린트, 114 x 91.5 cm, 2011

Not for Nothing_이쁜이, 피그먼트 프린트, 114 x 91.5 cm, 2011

Not for Nothing_할머니, 피그먼트 프린트, 114 x 91.5 cm, 2011

작가노트

이번 전시는 두 가지 작업으로 이루어져 있다. 하나는 ‘당신이, 당신을 볼 수 있는 한 가지 방법’ 시리즈이고, 또 하나는 ‘Not for Nothing’ 시리즈이다.

‘당신이, 당신을 볼 수 있는 한 가지 방법’은 포트레이트 작업이다. 여느 포트레이트 작업들이 촬영자가 인물을 탐구하는 과정인 것과 달리, 나의 작업은 피사체가 되는 인물이 자기 자신을 탐구하는 작업임을 먼저 말하고 싶다. 이 작업 속의 모델들은 모두 카메라가 아닌, 거울에 비친 자기 자신의 얼굴을 보고 있는 중이다. 자기 자신을 보고 있는 모델의 모습을 정면에서 온전히 촬영하기 위해 한쪽은 거울, 다른 한쪽은 유리인 하프미러를 이용해 촬영을 했다. 모델들이 받은 주문은 평소보다 조금만 더 진지하게 자신을 마주하라는 것이었고 모델들은 사방이 막힌 방 형태의 세트 안에서¬ 자기 자신에 집중할 수 있었다. 촬영이 끝난 후엔 그들이 자신을 마주하는 동안에 들었던 생각이나 느낌을 자필로 받았다. 거울이란 것이 단순히 빛을 반사시켜 그 반영을 보여주는 물건은 아닌 것 같다. 그저 거울을 보는 것과, 거울을 통해 자기 자신을 마주하는 것은 완전히 다른 이야기이다. 그것은 오히려 물에 비친 자신을 사랑하게 된 나르시스나 거울방패에 의해 죽임을 당한 메두사의 이야기에 가깝다. 이런 경우의 거울은 내면을 담아내는 그릇이 된다. 거울과 마주섰을 때, 거울을 보는 나와 거울 속의 나 사이에 공간이 생겨난¬다. 그리고 그 공간 속에 자신의 내면이 담긴다. 우리는 바로 우리의 모습을 볼 수 있는 것이다.

인물을 다룬 앞의 작업과 달리 ‘Not for Nothing’ 시리즈는 개인의 소중한 물건들을 소재로 쓰고 있다. 하지만 그 물건을 통해 보이는 것은 마찬가지로 우리 자신이다. 타인이 보기엔 보잘것없고 별것 아닌 물건들처럼 보이지만 그 물건의 주인에겐 너무나 특별한 가치를 가지는 경우가 있다. 물건에 담겨있는 기억이나 이야기, 혹은 의미가 그것들을 특별하게 만들어 준다. 그것은 바로 이 작업의 제목 그대로 모두 소중할 만한 이유가 있는 물건들인 것이다. 이러한 개인적인 보물을 마치 예술작품처럼 혹은 중요한 유물처럼 보이게 만들었다. 원래 물건의 가치란 것은 거리에 의해서도 생성된다. 아크릴 케이스와 사진매체란 결과에 의해 만들어지는 물건과 감상자의 거리는 그 물건에 담겨있는 스토리를 모름에도 좀 더 특별하고 가치 있는 것으로 느껴지게 한다. 사실 그런 외적인 의도가 아니더라도 우리의 추억과 기억은 어느 예술작품에 비해도 훨씬 더 큰 가치를 가진다.

이번 나의 전시는 ‘내 방’과도 같다. 햇살이 너무 좋은 어느 오후, 아무도 없는 집안에서¬ 홀로 방안에 앉아 그 조용함에 온 몸이 푹 꺼진다. 그리곤 가만히 거울을 보기도 하고 보물 상자를 꺼내어 오래된 추억을 더듬기도 한다. 그런 내 자신에 대한 사소하지만 큰 애정이 이 작업들의 시작이었다. 전시 제목 Inside Out 은 겉을 통해 안을 본다는 의미로 지었다. 그것이 나의 얼굴이든 개인적 보물이든, 사실은 나의 내면이 뒤집혀 있는 상태였던 것이다. 모두들 이 공간에 전시되어 있는 자신이란 작품을 감상하고 가길 기대해본다.

Artst’s Statement

This exhibition has two stories: one is ‘One Way That You Can Look Into Yourself’ and the other is ‘Not for Nothing’.

‘One Way That You Can Look Into Yourself’ is a project about portraits and I would like to point out that my works are about ‘the figures’ observing themselves, unlike other ordinary portraits of the photographer observing the figures. The models in the portraits are not looking at the camera but at their reflection. In order to take photos of the models looking into themselves without any distractions, I built a closed in room and installed a 2 way mirror. Before the subjects entered the mirror room, I only and simply asked the models to look into and at themselves in the mirror just a little more seriously than usual. Models could concentrate more easily on themselves with the isolated space. Right after taking the photo, they wrote about what they felt while they watched themselves. A mirror seems more than just an object that simply shows images by reflecting light, and ‘seeing the image of oneself in the mirror’ and ‘looking at the inner self through the mirror’ is completely different. It is like the tale of Narcissi who fell in love with his own reflection or the story of Medusa who killed herself by a mirror shield. A mirror can represent one’s inner self. When one faces it, a space is created between the person himself and the reflection in the mirror, and in the space, the inner self of the person is portrayed. This is when it is possible to look into ourselves

Unlike the former series with figures, ‘Not for Nothing’ is about someone’s private object. It is just an object, but what we see through the object is ourselves. Although the objects may seem useless and insignificant to others, they may be very precious to the person who owns them. Their historical stories, memories or meanings make them special. There are reasons each object is special and as the title implies it is ‘not for nothing’. I made these private and precious objects look like art works or heritages because the value of the object may sometimes be created by “distance”. Creating a “distance” by using acryl cases and photographs, make the viewers think that the object is special and valuable even though they don’t know its background or history. Even without such intention, it is true that our memories are much more valuable than any art work.

For me, this exhibition is like ‘my room’. One afternoon with beautiful sunshine, I felt comfortable sitting in the room alone with silence. I looked into the mirror and opened my treasure box to trace my old memories. It was some kind of trivial but deep affection for myself and it was the start of these two series. The exhibition title ‘Inside Out’ means looking inside through the outside because everything – either my face or private treasure – was something turned over from my inner side, revealing myself. I hope the viewers will be able to meet and see themselves from my works.

당신이, 당신을 볼 수 있는 한 가지 방법_영길, 80X100cm, 피그먼트 프린트, 2010

당신이, 당신을 볼 수 있는 한 가지 방법_윤정, 80X100cm, 피그먼트 프린트, 2010

당신이, 당신을 볼 수 있는 한 가지 방법_중년남성, 80X100cm, 피그먼트 프린트, 2010

홍상현 사진전

2011-12-20T12:49:44+09:00

전시소개

‘Bloody Blossom - The Photographic Variations on the Tragedy' - 홍상현

오는 12월 6일부터 2012년 1월 5일까지, 갤러리 누다(NUDA)에서 작가 홍상현의 ‘Bloody Blossom - The Photographic Variations on the Tragedy'전이 열린다. 이번 전시에서는 작가 홍상현이 지난 2010년 연평도 포격사건 직후의 현장에서 1주일 간 생활하며 촬영한 사진들이 소개된다.

작가 홍상현의 사진은 동족상잔이 야기한 비극의 현장에서 촬영한 것들이지만, 여느 다큐멘터리 작가들의 사진처럼 당시의 생생한 상황을 설명하려 들진 않는다. 그는 포화가 남기고 간 낯선 흔적들, 그 안에서 발견되는 아이러니한 조형미에 프레임을 고정시킨다. 그리고 그 안에서 멈춰버린 이데올로기의 아우성과 아련히 떠오르는 희망을 응시한다.

전시서문

Exhibition Preview 'Bloody Blossom - The Photographic Variations on the Tragedy'

정치에서의 빈 곳

연평도 사건은 역사의 관성(慣性)이 얼마나 맹목적일 수 있는가를 우리에게 보여주었다. 그 사건은 한반도에 38선이 그어지고 나서 1950년 여름에 일어났던 전쟁이 전쟁 그 자체로서의 우리의 현실은 아니지만, 하나의 고착상태가 되어 여전히 우리의 현실에 막대한 영향력을 행사하고 있다는 사실을 증명해 보여주었다.

6․25는 공산주의와 자본주의라는 두 거대 이데올로기 그리고 그 두 이념을 대변했던 두 제국주의 세력(당시의 스탈린의 독트린 역시, 프랑스대혁명의 진보적 계몽사상을 제국주의적으로 전파하려했던 나폴레옹주의의 아류로 전락해 버리지 않았는가)이 한반도라는 지역을 빌려 벌인 전쟁이었다. 그 두 세력을 대신해서 전쟁을 치른 가련한 남북한은, 전쟁이 남긴 실질적이고 가장 핵심적인 문제인 분단의 고통을 고스란히 떠맡을 수밖에 없었고, 여전히 떠맡고 있다. 아니, 사실 남북한 전체가 그 고통을 껴안고 있다는 것은 거짓이며, 그 고통은 그 중 일부에게, 권력의 정치 바깥에 놓인 민중에게만, 가령 이번의 경우 연평도 주민들에게만 위탁된다.

연평도 폭격 현장을 담은 이 일련의 사진들은, 모든 이데올로기와 모든 권력이 효력정지 상태에 놓여 있는 어떤 백색의 공간을, 보다 정확히, 모든 이데올로기와 모든 권력이 내팽개쳐 버린 정치에서의 빈 곳을 보여주고 있다. 거기에는 흐르는 피도, 터져 나오는 절규도, 쏟아지는 눈물도 없다. 이미 모든 피를 쏟아냈고, 이제 절규할 기력도 없고, 이미 눈물은 말라버렸는가?

참화현장을 보여주는 홍상현의 이 사진들은, 흑백의 정지상태가 가져온 기이한 고요함을 현시(現示)시켜주고 있다. 그러나 이 무채색의 정지된 이미지들은 사실은 무너져 내린 사물들이 죽음처럼 우리를 바라보는 장소, 죽음이 부서진 사물들처럼 우리를 바라보는 공간이다. 1950년 여름부터 이 땅에 스며들어 왔던, 지금도 스며들고 있는 죽음이.

이 침묵의 이미지들이 ‘나’를 바라보고 있다. 또한 그 시선에 겹쳐지는 아무것도 모르는 한 어린 소녀의 무심한 시선이……

박 준 상(숭실대 철학과 교수)

정미숙 사진전

2011-12-20T12:39:56+09:00

작가노트

작품의 모티브가 된 신체는 인간에게 삶과 죽음이라는 경험을 주는 중요한 매개체이자 여러 경험을 전달해주는 도구이다. 그래서 신체에 대한 순수한 이미지 그 자체를 표현하고자 했다. 여성의 몸을 섹슈얼리티의 표현으로 보지 않으면서도 신체에서 느껴지는 자연적인 곡선이 만들어내는 순수한 아름다움을 드러내고 싶었다. 그로 인해 생성되는 다양한 형태를 포착하여 시각화했다. 인체의 진부한 표현을 벗어나기 위해 오로지 형태에만 의지하여 표현한 것이다. 인위적으로는 표현할 수 없는 순수한 곡선으로 자연스러움을 다시 깨달았으면 하는 바람이다.

이번 작업에서는 신체의 형태를 다양한 측면에서 보고 추상적인 형태로 드러내 새로운 이미지로 재탄생 시키고자 했다. 특히 형태와 색감에서 전체적으로 통일감을 느낄 수 있도록 작업을 하였다. 여성의 부드러운 곡선과 어울릴 것 같은 색감을 찾아 부드러움을 한층 강화했다. 예를 들어 자연광이 아닌 형광등의 빛을 사용하여 초록색의 느낌을 표현하였다. 색의 온도 차에 의해서 다르게 보이는 색상으로 인해 사진에 신비함을 더했다. 예술은 작가의 삶에서 표출되는 욕구의 다른 형태이다. 그것을 조형화함으로써 스스로를 돌아 볼 수 있는 기회가 되었다.

순수할 純(순) 1 , Pigment print, 47x70cm, 2011

순수할 純(순) 2 , Pigment print, 70x47cm, 2011

순수할 純(순) 3 , Pigment print, 70x47cm, 2011

순수할 純(순) 4 , Pigment print, 47x70cm, 2011

순수할 純(순) 5 , Pigment print, 24x36cm, 2011

순수할 純(순) 6 , Pigment print, 36x24cm, 2011

작가소개

정미숙 / Jung, Mi Sook

학력
ㆍ 상명대학교 문화예술대학원 비주얼아트 순수사진 전공
ㆍ 서울 여자대학교 산업미술 시각디자인 전공

개인전
2011 ㆍ ‘순수할純(순)’ , 갤러리아트사간, 서울
2011 ㆍ 초대전 , 이브갤러리 , 서울
2009 ㆍ 'perception' , 김영섭 사진화랑, 서울

단체전
2011 ㆍ IN-completion , 갤러리 룩스, 서울
2010 ㆍ 경남 현대사진 국제 페스티벌, 3.15아트센터, 경남. 마산
ㆍ'도시, 사진적 풍경 2' , 갤러리아트사간, 서울
2009 ㆍ '이미지적 사유, 사유적 이미지' , 아트비트 갤러리,서울

작품 소장
ㆍ (주) 이브자리

에드워드 커티스

2011-12-20T12:31:06+09:00

임응식 사진전

2011-12-20T12:06:12+09:00

서울대 AIP 사진클럽

2011-12-19T22:19:39+09:00

김봉수,78x52cm,PigmentPrint,2011-1

김봉수,78x52cm,PigmentPrint,2011-2

전시서문

일상의 편린
–경험된 기억의 사회적 소통-

일상이란 항상 반복되어지는 평소의 생활양식을 말하며, 모든 사람의 사적인 영역이다. 이것은 특정한 사건과 대립되는 시간성, 반복의 영속성을 특징으로 하며, 인간의 사고와 행위의 모든 문제들이 포괄적으로 포함되어 있다.
존 듀이[John Dewey]는 예술은 “하나의 경험”이라고 이야기하며 일상적이고 평범한 경험에도 의미를 부여했다.
예술에서 일상이라는 소재는 인간의 본능적인 인식의 원천이 실마리가 되어 자신의 존재의 내면을 파악하고, 또 스스로 정화시키려는 자아현실의 반영적 측면이 강하다.
한편으로는 일상이 주는 반복적인 삶의 형태, 무미건조한 일상의 시간으로부터 해방되고자 하는 현대인들의 노력은 또 하나의 예술적 행위로 나타난다.
이러한 개인의 경험은 일상에서의 타인의 경험을 이해하는 도구가 되거나 상관관계를 맺어 자신과 타인 그리고 사회와의 쌍방향적인 소통의 기능을 하게 한다.
이번 전시는 일상과 일상의 일탈로부터 경험된 기억의 편린들을 내부에서 구성하고, 통합되고, 시각화하여 보여주는 작업들이다.
시각을 통해 느껴지는 복잡하고 짧은 이 시간은, 어떤 열려진 시간의 결정체라고도 할 수 있다. 단편적이지만, 그 단편에는 다양한 일상의 이미지를 환기시키기도 하고, 시공의 모드가 압축된 비일상적 경험도 존재한다. 어떤 의미에서는 현대의 사진표현은 이러한 일상의 기억과 재현의 의미를 새롭게 정의하는 것이 간절할지도 모른다.
- 이 수 철

신제식,80x53cm,PigmentPrint,2011-1

신제식,80x53cm,PigmentPrint,2011-2

염정석,80x53cm,PigmentPrint,2011-1

염정석,80x53cm,PigmentPrint,2011-2

정일균,65x20cm,PigmentPrint,2011-1

정일균,65x20cm,PigmentPrint,2011-2

채희술,133x50cm,Pigment Print,2011-1

채희술,133x50cm,Pigment Print,2011-2

2011 동강사진워크샵 베스트 포트폴리오

2011-12-19T22:10:15+09:00